Mit interventionistischen Aktionen greift Kessler in den öffentlichen Raum ein, manipuliert scheinbar normale Phänomene und stellt Gesetzmäßigkeiten in Frage. Er analysiert gesellschaftliche Verhaltensweisen und durchleuchtet die Sinnhaftigkeit diverser Ordnungssysteme. Seine Arbeiten, die Metaphern auf soziopolitische und ökonomische Geschehnisse darstellen, finden fast ausschließlich unangemeldet statt. Mit einfachsten Mitteln wie Auslöschen, Markieren, Reparieren oder Hinzufügen untersucht er Funktionsmechanismen an der Schnittstelle zwischen Privatem und Öffentlichem. Der absurde Widerspruch, der seinen Aktionen innewohnt, gibt den Eingriffen oft eine Aura des Humoresken und erinnert an Filmkomödianten wie die Marx Brothers oder Charlie Chaplin – zärtliche Anarchisten, die mit ihren Verrücktheiten die vermeintlich ordentlichen Gesellschaftssysteme konterkarieren.
Kunst ist bei Kessler ein unmittelbares Medium des gesellschaftlichen Lebens mit einer moralisch-ethischen Funktion. Seine Arbeiten sind ein Plädoyer für eine selbstbestimmte Gesellschaft, die die Verhältnisse nicht einfach hinnimmt, sondern scheinbar Etabliertes permanent in Frage stellt.

Haring beschäftigt sich mit der Frage, was es bedeutet, im 21. Jahrhundert als Künstlerin im Betriebssystem Kunst zu agieren. 2004 etwa entstand in Anspielung an Martin Kippenbergers Jetzt geh ich in den Birkenwald, denn meine Pillen wirken bald ihre Installation Heute bleibt die Küche kalt, wir gehen in den Wienerwald. Die Arbeit karikiert die männliche Attitüde Kippenbergers, die widersinnige Verwendung des Einbauküchenklassikers thematisiert gleichzeitig die Rolle der Frau und spielt auf das Werk von Birgit Jürgenssen an. 30 Jahre nach dieser sprengt Haring die Ketten des 'Gefängnisses Küche' auf humorvolle, anarchische und subversive Art und Weise.
Die Ausstellung von Marlene Haring wird bewusst zeitgleich mit der Birgit-Jürgenssen-Retrospektive eröffnet, enthält ihr Werk doch zahlreiche Parallelen zu dieser Künstlerin. Auch wurde Haring 2005 der Jürgenssen-Preis für eigenständige, feministische Positionen verliehen.

Für Echigo sind Definition, Bemessung, formale und kreative Gestaltung die wichtigsten Aufgaben von Kunst und Architektur. Inspiriert durch die Zen-Gärten seiner Heimat und die japanische Tradition der NatureArt, gliedert und gestaltet er den Raum. Seine meditativen Installationen sind sanfte Eingriffe, die zu einer Veränderung von Situationen führen und das Charakteristische der Räume visualisieren, erweitern und vertiefen. Vorhandene Architekturen werden dabei als wesentliche Bestandteile integriert und stellen den Raum in ein völlig neues Licht.
Im Offenen Atelier lädt die Factory einen Stipendiaten/eine Stipendiatin von AIR artist-in-residence Krems ein, seinen/ihren Arbeitsplatz für einige Wochen in den Ausstellungsraum zu verlegen und den BesucherInnen sein/ihr Atelier zu öffnen. 2009 findet dieser Programmpunkt bereits zum fünften Mal statt. Für das Offene Atelier entwickelt Echigo eigens eine maßgeschneiderte Rauminstallation.

Schulers unbändige Lust am Experiment mit nicht kalkulierbarem Ausgang zeigt sich beispielsweise an seinem Selbstporträt Treffer. Es zeigt das zerknautschte Gesicht des Künstlers in dem Moment, als sein Kopf gegen eine Wand prallt. Schuler interessiert sich für das kreative Potenzial von Kontrollverlust, Selbstüberwindung und Zufall, die Möglichkeit des Scheiterns ist dabei immer mitgedacht. Seine krude konstruierten Figuren und Objektinstallationen wirken oft slapstickartig – sie verharren zwischen Intimität, Aggression und Lächerlichkeit und weigern sich konsequent, die Maßstäbe anzuerkennen, die der kunsthistorische Diskurs zur Bemessung künstlerischer Größe bestimmt hat.
In den Monaten Mai und Juni ist Marco Schuler Stipendiat von AIR artist-in-residence Krems und entwickelt für die Factory eine Ausstellung mit Installationen, Skulpturen, Videos und Zeichnungen.

Die europäische Vorstellung von australischer Kunst reicht kaum über die klischeehafte Kenntnis von Aboriginal Art hinaus, doch existiert in Australien eine äusserst vitale und innovative Kunstszene. Jenny Watson arbeitet in einer Kombination aus Malerei, Text und Objekt auf figurative Weise. Schlichte, einprägsame Sujets, Humor und bissige Ironie prägen ihr Werk und provozieren ganz bewusst eine gewisse Infantilität. Watson kreiert in ihren Bildern komplexe Geschichten, die einen feministischen und sozialkritischen Anspruch haben und gleichzeitig vertrauliche Einblicke in ihr Leben zulassen. Ihre engagierte Kunst befasst sich explizit mit Themen der weiblichen Identität. Immer wieder greift sie auf subtile Art und Weise männliche Vormachtstellungen in der Kunstwelt an und thematisiert Gewalt, Brutalität und Chauvinismus.
Jenny Watson verbringt 2009 einige Monate als Stipendiatin von AIR artist-in-residence Krems in Niederösterreich. Der Großteil der Arbeiten, die in der Factory gezeigt werden, entsteht vor Ort.

Die Thematik des unperfekten Menschen ist eine wesentliche Konstante im Werk Adolf Frohners. Menschen mit Prothesen oder mit gänzlich fehlenden Gliedmaßen tauchen immer wieder in seinen Bildern auf. Das Schöne, bereits in der Antike als philosophischer Begriff mit dem Wahren und Wahrhaftigen gleichgesetzt, geht von einem Konsensdenken und von der Mittelmäßigkeit von Dingen und Wesen aus. Im Angesicht anderer, aussergewöhnlicher, aus der Masse hervorstechender Eigenschaften kommt Skeptizismus auf, vielfach werden Prothesen als künstlerische Strategie eingesetzt, um Mängel zu beheben, Fehlendes zu ergänzen.

Arbeiten von Adolf Frohner, Gelitin, Elke Krystufek, Maria Lassnig, Arnulf Rainer, Markus Schinwald, Deborah Sengl, Franz West, Erwin Wurm und anderen untersuchen die Aspekte von Schönheit und Hässlichkeit, Gut und Böse, Maschine und Mensch, Umgebung und Subjekt.

Das Verhältnis zwischen Lehrer und Schüler ist oft ein prägendes. Adolf Frohner unterrichtete von 1972 bis 2005 als Professor an der Hochschule für angewandte Kunst in Wien, trotz seines gebrochenen Verhältnisses zu Kunstakademien nahm er seine akademische Berufung sehr ernst. Die Sommerausstellung im forum frohner greift dieses Spannungsfeld auf und stellt Frohners Arbeiten denen ausgewählter SchülerInnen gegenüber. Dabei ergeben sich zahlreiche Fragen: Wie hat sich Frohners künstlerischer und persönlicher Einfluss auf seine StudentInnen ausgewirkt? Wie war das Verhältnis Geben und Nehmen in Hinblick auf die persönliche Entwicklung und künstlerischen Ergebnisse der SchülerInnen? Wie manifestierte sich die künstlerische Emanzipation der SchülerInnen gegenüber dem Lehrer Frohner?
Frohners Einfluss machte sich beim Großteil seiner SchülerInnen weniger in einem gemeinsamen Stil bemerkbar als in Frohners Haltung gegenüber der Kunst und seiner ständigen Suche nach neuen Ausdrucksformen, mit der er seine StudentInnen dazu aufforderte, neue Wege zu beschreiten.
Die Ausstellung zeigt Werke von Adolf Frohner, Ona B., Bernhard Fruehwirth, Amina Handke, Christian Hutzinger, Henriette Leinfellner, Oliver Ressler, Constanze Schwaiger, Stefanie Seibold, Arye Wachsmutz und anderen.

In den Bildern tritt mit wildem, exzessiven und ekstatischen Strich das explosive und impulsive Wesen des Künstlers zutage. Auch mit seinen kraftvollen Zeichnungen hat Hrdlicka immer provoziert; sieht er sich doch als Mann des Widerstands, der sich auf drastische Weise mit Krieg, Gewalt und Machtverhältnissen auseinandersetzt. Das geschundene Individuum, das Leid, Angst, Schmerz und Bedrohung ausgesetzt ist, zeigt er mit schockierender Direktheit. Hrdlicka beleuchtet in diesen Arbeiten verloren gegangene Menschlichkeit und verkommene moralische Vorstellungen eindrucksvoll.
Mit Hrdlicka widmet sich das forum frohner einem Künstler aus dem Umfeld von Adolf Frohner. Die Ausstellung wird in Zusammenarbeit mit der Galerie Ernst Hilger realisiert.