Der Titel dieser Ausstellung des 1943 geborenen amerikanischen Künstlers James Turrell lässt Großes erahnen. Im Mittelpunkt steht ­eine Raum-in-Raum-Konstruktion in der Tradition der Ganzfeld Pieces, die sich auf 700 Quadratmetern bis unter die verglaste Museumsdecke ausdehnt. In den zwei ineinander übergehenden Räumen – beide vollkommen leer und erstmals vollständig mit sich langsam änderndem, diffusem Farblicht ausgeflutet – offenbart sich das Licht selbst. Im homogenen Sehfeld heben sich alle architektonischen Gegebenheiten auf und lassen den Betrachter mit all seinen Sinnen in ein „sublimes Lichtbad“ eintauchen. Der Künstler selbst nennt diese Erfahrung „mit den Augen fühlen“.

Das Wolfsburg Project spiegelt die Struktur eines noch viel größeren Projekts des Künstlers wider: des künstlerischen Licht­observatoriums Roden Crater. 1972 entdeckte der leidenschaftliche Pilot in der Wüste Arizonas bei Flagstaff den 150 Meter aus der Colorado-Hochebene ragenden erloschenen Vulkanberg. Seit 1974 baut Turrell dort an einem komplexen unterirdischen System aus Gängen, fernrohrartigen Tunneln und meditativen Kammern. Durch astronomisch genau berechnete Öffnungen dringt das Licht ins Vulkaninnere. Dort wird es in gestalteten Hohlräumen, den sogenannten Skyspaces, aufgefangen und in seinen verschieden­artigen Qualitäten, in seiner puren Totalität und reinen Erhabenheit gestaltet und wahrnehmbar gemacht.

Wenn der Roden Crater den Himmel auf die Erde holt, so kehrt das Wolfsburg Project im Museumsbau den zum Himmel hin geöffneten Roden Crater gleichsam in einen unendlichen Innenraum oder, wie Rilke sagen würde, in den „Weltinnenraum“ um. Auch die Verbindung „Wolfsburg–Arizona“ handelt von rationaler Technikbegeisterung und mystischer Naturerkenntnis. Mit der vielschichtigen Verknüpfung von Naturwissenschaft, Philosophie, Kunst und Technik knüpft das Wolfsburg Project an das Generalthema des Museums an, das sich „der Zukunft der Moderne im 21. Jahrhundert“ widmet. Die Stadt Wolfsburg selbst, die erst vor gut 70 Jahren in der niedersächsischen Ebene gegründet wurde und einen innovativen Weltkonzern beherbergt, ist ein Modellfall der Moderne, die durch die Globalisierung heute neue Impulse erhält.

Die Ausstellung The Wolfsburg Project
im Ganzen bespricht punktuell über das Hauptwerk hinaus die Werkentwicklung des Lichtvirtuosen. Die ersten Lichtarbeiten, die sogenannten Projection Pieces, die in Form von Druckgrafiken aus der Serie First Light repräsentiert sind, bilden den inhalt­lichen Auftakt der Ausstellung. Über eine spezifisch für Wolfsburg entstandene technische Weiterentwicklung der spektralen Keilarbeiten (Wedgeworks) spannt sie den Bogen zu dem 2007 entstandenen Werk Spinther aus der jüngsten Werkgruppe der Tall Glass Pieces. Diese sind großformatige, mit elektrisch ge­steuer­ten Leuchtdioden hinterlegte Glasbilder, deren programmierte Kleinstlichter sich in subtilem Farbverlauf ändern und gleichsam den Himmel über dem majestätisch emporragenden Vulkanberg in den Ausstellungsraum holen.
bis 5. April 2010

The Making of
Der Bau und die Präsentation der Turrell-Arbeiten im Kunstmuseum haben von den Mitarbeitern des Museums und seinen Partnerfirmen erneut Höchstleistungen gefordert. Zum einen sind die technischen und handwerklichen Anforderungen dieser Lichtinstallationen überdurchschnittlich anspruchsvoll, zum anderen ist auch für die Besucher in einem Kunstwerk, das in den Menschen unmittelbar die verschiedensten Reaktionen auslöst, eine sehr umsichtige Begleitung notwendig. Diese besondere Art der Besucherbetreuung und -beaufsichtigung erbringt für das Museum die WWS Kurt Strube GmbH, ein Partner des Kunstmuseum Wolfsburg seit 1994.

Informationen
Kunstmuseum Wolfsburg
Hollerplatz 1, D-38440 Wolfsburg
Tel. (+49-53 61) 26 6 90
Mi–So 11–18 Uhr, Di 11–20 Uhr, Mo geschlossen
[email protected]
www.kunstmuseum-wolfsburg.de

Eine menschlichere und zeitgenössische Gesellschaft war das große Projekt der Moderne seit dem Beginn des 20. Jahrhunderts. Neue Wohnformen sollten geschaffen werden, und den Städten sollte ein neues Gesicht gegeben werden. Die Ausstellung im Kunstmuseum Liechtenstein geht der Frage nach, was aus dieser großen Utopie geworden ist.

Die Moderne als Ruine lädt ein, sich dem Thema einer besseren Gesellschaft auch in Bezug auf deren Nachhaltigkeit nicht auf der technisch-praktischen, sondern auf ­einer intellektuell-künstlerischen Ebene zu nähern. Die amerikanischen Künstler ­Robert Smithson und Gordon Matta-Clark thematisieren bereits Anfang der 1970er-Jahre unter anderem die Auswirkungen des Kapitalismus auf die Stadt- und Gesellschaftsstruktur. Sie bearbeiten vor allem komplexe ökologische und soziale Zusammenhänge im Kontext der explosionsartigen Architekturentwicklung der Großstädte Amerikas, die sich nach dem Aufschwung der 1960er-Jahre vielerorts in verfallene Orte der Antiutopie, in Siedlungsgettos und problematische Vorstädte verwandelten.

Der von Robert Smithson aus den ­Naturwissenschaften eingebrachte Begriff „Entropie“, der irreversible Wandel, die Entformung, wird zu einem zentralen Bezugspunkt zahlreicher Werke der Ausstellung. Während sowohl Bau- als auch Verfallsprozesse thematisiert werden, bleiben zugleich manchmal noch Momente des Kristallinen, der Struktur erhalten.

Der Architekt und Visionär Yona Friedman etwa verweist auf die prekäre Lage der modernen Gesellschaft, auf die Ausbeutung der Rohstoffressourcen. In Ville spatiale baut er modellhaft eine Stadt aus Abfallmaterialien, während Rob Voerman Hybridbauten zwischen Höhle, Maschine und Sakralraum schafft, als wären sie eine Vision für die Welt nach der Apokalypse. In ihrem Film Bantar Gebang zeigen Jeroen de Rijke und Willem de Rooij einen anderen Aspekt der Auswirkungen des Kapitalismus in der Moderne: Ein idyllischer Sonnenaufgang wird vom Sujet einer Siedlung konterkariert, die auf einer Müllhalde errichtet wurde.

Die Ausstellung beinhaltet Werke von Yona Friedman, Giuseppe Gabellone, Cyprien Gaillard, Isa Genzken, Dan Graham, Gordon Matta-Clark, Florian Pumhösl, Jeroen de Rijke/Willem de Rooij, Robert Smithson, Rob Voerman und Stephen Willats. Sie ist eine Produktion der Generali Foundation, Wien, kuratiert von Sabine Folie.

Informationen
bis 17. Januar 2010
Kunstmuseum Liechtenstein
Städtle 32, Postfach 370, FL-9490 Vaduz
Tel. (+423) 235 03 00
[email protected]
www.kunstmuseum.li

Kunstclips finden von hier aus ihren Weg in die Ausstellungshäuser von New York, Tel Aviv und Neu-Delhi, um nur einige der Destinationen zu nennen, welche die Videorama-Ausstellung übernehmen werden. Alle Arbeiten entstammen dem ursula blickle videoarchiv, das 2007 eröffnet wurde und dessen Fokus auf aktueller österreichischer Kunst ab Mitte der 1990er-Jahre liegt. Es ist ein Kooperationsprojekt der Ursula-Blickle-Stiftung, Deutschland, der Universität für angewandte Kunst Wien und der Kunsthalle wien; ein öffentlich und kostenfrei zugängliches ­Videokunstarchiv, konzipiert als digitale Mediathek und Ort studentischer, wissenschaftlicher und kuratorischer Praxis. Ebenfalls der jungen österreichischen Kunstszene widmet sich die Ausstellung Lebt und arbeitet in Wien, die bereits zum dritten Mal (Teil I und II waren in den Jahren 2000/01 beziehungsweise 2005 zu sehen) die Wiener Kunstszene repräsentiert.

Videorama. Kunstclips aus Österreich
Das Kerzenlicht von Franz Schuberts Animation leuchtet den Weg in den Bilderdschungel der Ausstellung und lässt dabei an große Kunst von Gerhard Richter und Popkultur von Sonic Youth denken. Videorama präsentiert aktuelle österreichi­sche Video- und Filmarbeiten aus dem ursula blickle videoarchiv. Die Schau versammelt clipartige Werke, Erzählungen in Kurzform und Laufbildkombinationen. Die Künstlerinnen und Künstler von Video­rama arbeiten gleichermaßen mit aufwendigen wie einfachen Mitteln. Sie filmen, animieren, dokumentieren und nutzen Referenzsysteme aus Kunst, Leben und Geschichte. Das reicht von den absurden Nonsensproduktionen von Mara Mattuschka & Gabriele Szekatsch und Rainer Ganahl über theatralisch-performative Inszenierungen bei Markus Schinwald bis zum Bilderflackern aus dem Archiv des Alltags, wie es Thomas Draschan und Axel Stockburger vorstellen. Bewegend und bewegt sind die Animationen von Susi Jirkuff, Hubert Sie­lecki und Veronika Schubert. Mal perfektionistisch, mal trashig, schwimmen die Bilder der Ausstellung dem Strom der Zeit entgegen und beweisen häufig – wie die Arbeiten von Rudolf Polanszky, Anna Jermolaewa und Stermann & Grissemann – Humor, der direkt ins Schwarze trifft.
4. November 2009 bis 10. Januar 2010

Lebt und arbeitet in Wien III
Im Frühjahr 2010 setzt die Kunsthalle wien die Ausstellungsreihe Lebt und arbeitet in Wien in ihrer dritten Auflage fort und lenkt erneut die Aufmerksamkeit auf die vielseitige, eigenwillige, kritikfähige und offene Wiener Kunstszene. Wie bereits in den zwei Ausstellungen davor ist es auch diesmal wieder gelungen, ein internationales Kuratorinnenteam für die Ausstellung zu gewinnen. Gemeinsam mit Xenia Kalpaktsoglou, Gründerin der Athen Biennale, Olga Swiblowa, Direktorin des Moscow House of Photography, und Raphaela Platow, Direktorin des Contemporary Arts Center, Cincinnati (USA), wird auch diesmal die künstlerische Landkarte Wiens neu vermessen.
Die Künstlerinnen und Künstler, die in Wien einen Lebens- und Arbeitsschwerpunkt gefunden haben, zeigen sich als Global Players und Multitasking-Spezialistinnen und -Spezialisten, die in den unterschiedlichsten Medien zu Hause sind. Mit ihren Arbeiten öffnen sie Grenzen zwischen Kunstgattungen, die zwischen Kunst und Populärkultur und häufig zwischen Kunst und Alltagsleben changieren. Zur Kunst und zum Leben gehören kommunikative Plateaus, akustische Designs, visuelle Flashs, Hirnrisse und „Mind Expan­sion“. Die Kunsthalle wien fungiert mit dieser Ausstellung quasi als Entree zu den Ateliers der Künstlerinnen und Künstler und als verlängerte Werkbank, die das künstlerische Schaffen in seiner vollen Bandbreite sichtbar macht.
5. März bis 30. Mai 2010

Informationen
KUNSTHALLE wien
Museumsplatz 1, A-1070 Wien
Tel. (+43-1) 521 89-0
täglich 10–19 Uhr, Do 10–22 Uhr
[email protected]
www.kunsthallewien.at

Gold, Silber, Seide, Elfenbein, Reliquien – um diese kostbaren Besitztümer wurden das Byzantinische Reich und seine Hauptstadt Konstantinopel im Westen beneidet. Die Ausstellung zeigt viele dieser Herrlichkeiten. Doch die Bedeutung des christlichen Oströmischen Reichs geht weit über seine Schätze hinaus. In Byzanz lebte die Antike ungebrochen bis in das Spätmittelalter fort. Hier bewahrte man antike Tradition und Gelehrsamkeit, hier wurzelt unser Rechtssystem. Byzanz schlug die Brücke vom Altertum in das moderne Europa und verband zugleich Ost und West. Das europäisch geprägte Byzanz hatte Verbindungen in den Nahen Osten und über die Seidenstraße bis nach China. In der orthodoxen Kirche leben byzantinische Rituale bis heute fort.

Aber wie kann man sich das Leben in Byzanz vorstellen? Die Ausstellung führt in eine uns fremde Welt, die doch eine Grundlage für unsere Gegenwart legte. Mehrere Computeranimationen und Kurzfilme bringen uns zu den wichtigsten Plätzen des Byzantinischen Reichs wie Konstantinopel, Ephesos, Thessaloniki, Pergamon, den Simeonsberg bei Aleppo oder das Katharinenkloster auf dem Sinai. Die rund 600 Exponate von Leihgebern aus der ganzen Welt bekommen so eine neue Bedeutung, die über den großen künstlerischen und ästhetischen Wert hinausreicht. Auf diese Weise erscheinen plötzlich das Byzantinische Reich und sein Erbe in einem völlig neuen Licht. Eine Ausstellung der Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn, in Zusammenarbeit mit dem Römisch-Germanischen Zentralmuseum, Mainz.
26. Februar bis 13. Juni 2010

Weitere Highlights:
Markus Lüpertz – Hauptwege und ­Nebenwege
Eine Retrospektive. Bilder und Skulpturen von 1963 bis 2009
Markus Lüpertz zählt zu den bekanntesten und einflussreichsten deutschen Künstlern der Gegenwart. In der Folge der großen monografischen Ausstellungen deutscher Maler wie Gerhard Richter, Sigmar Polke und Georg Baselitz präsentiert die Kunst- und Ausstellungshalle auf etwa 2000 Quadratmetern die bislang umfangreichste Retrospektive von Markus Lüpertz. Sie zeigt eine repräsentative Auswahl von etwa 150 Gemälden und Skulpturen des 1941 geborenen Künstlers, der stets mit der Pose des „Enfant terrible“ und des „Malerfürsten“ gespielt hat. Sein Werk umspannt einen Zeitraum von fast 50 Jahren und reicht von der „Anti­malerei“ nahe der Pop-Art der 60er-Jahre bis zur Auseinandersetzung mit der klassischen Malerei in den letzten Jahrzehnten.
bis 17. Januar 2010

James Cook und die Entdeckung der Südsee
Wer das authentische Paradies der Südsee entdecken und erleben will, muss jetzt nach Bonn fahren. In unserer lückenlos gescannten Welt ist es schwer, unbekanntes Gelände zu entdecken. Der britische Seefahrer und Entdecker James Cook (1728–1779) hatte es da leichter. Im 18. Jahrhundert gab es noch viele weiße Flecken auf der Landkarte. Cook wurde durch drei Expeditionen in die damals unbekannten Weiten des Pazifischen Ozeans berühmt. Ihm gelang es erstmalig, Neuseeland, Australien und die Inselwelt der Südsee zu kartografieren.

In der Ausstellung kann jeder Besucher den Pazifik auf den Routen Cooks selbst entdecken. Über 500 Exponate – kostbare Federornamente, Holzskulpturen sowie Gemälde der mitreisenden Maler – machen die Kultur der Südsee erlebbar.
bis 28. Februar 2010

Informationen
Kunst- und Ausstellungshalle der Bundes­republik Deutschland, Museumsmeile Bonn
Friedrich-Ebert-Allee 4, D-53113 Bonn
Tel. (+49-228) 91 71-200
Di und Mi 10–21 Uhr, Do–So und Fei 10–19 Uhr, Mo (außer Fei) geschlossen
[email protected]
www.bundeskunsthalle.de

Ihr Repertoire reicht von Still­leben über Porträts, Landschaften bis zur Aktfoto­grafie. Dabei bildet sie die Objekte nicht nur ab, sondern begibt sich auf die Suche nach der Wahrheit hinter dem scheinbar Offensichtlichen. Mit unerschöpflichem Formenreichtum gelingt es Karin Székessy, banalen Gegenständen Tiefe, Raum und Wertigkeit zu geben. Kontrastreiche Licht- und Schattenpartien wie auch verzerrte Körperproportionen schaffen neue Eindrücke jenseits der normalen Sehgewohnheiten. Karin Székessy ist eine Meisterin der Inszenierung, die mit ihren komplexen, vielschichtigen Bildern geheimnisvoll-traumhafte Dimensionen aufzeigt.

Ihre Arbeiten sind „literarische“ Bilder voller Feinsinnigkeit. Mit Leichtigkeit, aber auch Präzision erzählt sie von Menschen in ihrer Umgebung, von Pflanzen und Früchten, Schattenspielen, frei stehenden Skulpturen wie auch von weiblicher Erotik. Zusammen mit ihrem Mann, Paul Wunderlich, verbringt sie regelmäßig den Sommer in Südfrankreich, umgeben von einem Rudel der unterschiedlichsten Hunde. Auch sie werden auf vielfältigste Weise zum Thema ihrer Bilder.

Das Künstlerpaar Wunderlich/Székessy konzentriert sich gelegentlich auch auf ein gemeinsames Motiv. Während die Fotografin ihre Bilder meist freier gestaltet, orientiert sich der Maler oft an kunsthistorischen Vorbildern und erarbeitet sich diese unter künstlerisch-malerischen Aspekten. Der Surrealismus Paul Wunderlichs, der dem Alltag die verloren gegangene Magie zurückgibt, ist auch bei Karin Székessy deutlich erkennbar. Mit der Kunst der symbolischen Verschlüsselung schafft sie andere Wirklichkeiten hinter der sichtbaren, realen Welt. Das Weibliche ist dabei ein zentrales Element. Karin Székessy betont in ihren Bildern die weibliche Erotik und zeigt den Frauenkörper in spielerischem, lustvollem Umgang. Stets ist ihre Aktfotografie von Ästhetik geprägt. Die unwirkliche Blässe der Körper dient als Mittel der Abstraktion und verleiht den Figuren sowohl eine Schwerelosigkeit wie auch eine Zeitlosigkeit.

Die historische Kulisse des Schlosses Cappenberg mit ihrem von Geschichte und Gegenwart geprägten Ambiente bildet einen hervorragenden Rahmen für diese zeitlose Kunst Karin Székessys.
22. November 2009 bis 14. März 2010

Informationen
Schloss Cappenberg (Kreis Unna)
Schlossberg, D-59379 Selm-Cappenberg
Di–So 10–17 Uhr, Eintritt frei
öffentliche Führung: So 14.30 Uhr
www.kulturkreis-unna.de

Auf der Kriegsruine der spätgotischen Kirche Sankt Kolumba aufgebaut, schützt das Museum Grundmauern römischer Wohnhäuser und die bis in die Zeit um 700 zurückreichenden Zeugnisse der Kirchenbauten mit Gräbern und Grüften an dieser Stelle; es behaust die 1950 in die Ruine hineingebaute Kapelle „Madonna in den Trümmern“ von Gottfried Böhm, und es beheimatet in 21 Räumen die eigene Kunstsammlung mit Werken von der Spätantike bis zur Gegenwart. Ort, Architektur und Sammlung umspannen mehr als 2000 Jahre abendländischer Kultur.

Kolumba bietet Betrachtungs- und Denkmöglichkeiten an, die sich mit der im Bau ablesbaren und erfahrbaren Geschichte des Orts und der ästhetischen Qualität seiner Räume verbinden. Das inszenierte Miteinander von Kunstwerken unterschiedlicher Zeiten und Herkunft als poetische und erinnerungs­fähige Bilder hat seinen Ausgangspunkt und Schwerpunkt immer in den Werken der Kunst, in ihren Inhalten, ihrer Ausstrahlung, ihrer Ästhetik.

Wenn sich Kolumba nun bis zum 30. August 2010 mit Hinterlassenschaft beschäftigt, ist es bei seinem ureigenen Thema. Der Ausstellungstitel bezieht sich auf eine Videoarbeit des 1945 geborenen Münchner Künstlers Kurt Benning, Hinterlassenschaft – Ein deutsches Erbe. Sämtliche Gegenstände aus einer von ihren Bewohnern endgültig verlassenen Wohnung werden kurz vor deren Auflösung beschrieben. Die Aufzählung dieser mit Erinnerungen und Assoziationen verbundenen Dinge ist Ausgangspunkt für die Auswahl der gezeigten Werke. Die Ausstellung macht bewusst, was zurückbleibt: Dinge, die uns bergend umhüllen, die wir gestalten und benutzen, die wir sammeln, mit denen wir spielen und an denen wir arbeiten. Zu diesen Dingen, die ihren Ort im Museum gefunden haben und permanent ausgestellt sind, zählen Stefan Lochners Muttergottes mit dem Veilchen als Epitaph der Elisabeth von Reichenstein, die Tragedia Civile des Arte-povera-Künstlers Jannis Kounellis mit dem zurückgelassenen Hut und Mantel, kostbare Monstranzen und Reliquiare aus dem Kirchenschatz von Sankt Kolumba und unter freiem Himmel, in der Ruine der ehemaligen Sak­ristei, die Skulptur Die Untergegangenen und die Geretteten von Richard Serra.

Dialogische Gegenüberstellungen laden dazu ein, den Blick auf die Dinge zu weiten und die eigene Perspektive zu verändern. Modezeichnungen der Fifties von Paul Thek, hinterlassene Kleidung wie ­eine koptische Tunika, kostbar bestickte liturgische Gewänder sowie Soutanen, Umhang und die Cappa magna des 1978 verstorbenen Kölner Kardinals Josef Frings werfen im Miteinander andere Fragen auf als im Gegenüber mit Fotoarbeiten von Duane Michals oder Jürgen Klaukes lebensgroßer fotografischer Selbst­inszenierung Desaströses Ich: Ist Kleidung mehr als Schutz vor Kälte?. Warum legte man vor 1400 Jahren einem ägyptischen Kopten eine Tunika ins Grab? Welche Aussage verbindet sich mit dem Tragen eines liturgischen Gewands, einer Sou­tane, der Cappa magna? Prägt der Träger die Kleidung oder umgekehrt? Und wenn der Künstler Stefan Wewerka einen Stuhl mit dem Sockel der barocken Muttergottes mit Kind von Jeremias Geisselbrunn verbindet, die französische Fahne mit Reißverschlüssen versieht oder in seinen Zeichnungen streng konstruierte Palladio-Bauten sich krümmen lässt, dann erschüttert er festgefügte Kategorien.

Besucher können Kolumba intuitiv oder intellektuell erfahren. Die Ausstellung lädt dazu ein, dem impulsgebenden Gedanken der Hinterlassenschaft nachzugehen, sich intensiv mit einzelnen Werken auseinanderzusetzen oder mögliche Beziehungsgeflechte zwischen den Dingen zu entdecken, vielleicht aber auch wiederzukommen und das bereits Gesehene neu zu sehen. Alle diese Möglichkeiten bieten sich auch außerhalb der Öffnungszeiten im konzentrierten Gespräch mit Kunsthistorikern und Kuratoren von Kolumba, unterstützt durch das gesamte Team und den Service der Firma WWS-Strube.

Informationen
Kolumba, Kunstmuseum des Erzbistums Köln
Kolumbastraße 4, D-50667 Köln

Hinterlassenschaft
Ausstellung mit Werken der eigenen Sammlung bis 30. August 2010; geöffnet täglich ­außer Di 12–17 Uhr
Führungsbuchungen:
Tel. (-49-221) 9331 9332 (Mo–Fr 10–12 Uhr)
Keine Führungen während der allgemeinen Öffnungszeiten
www.kolumba.de

An der Düsseldorfer Rheinuferpromenade, zwischen Familienministerium und Rheinkniebrücke, blitzt zwischen den Platanen ein eleganter Pavillon hervor. Davor genießen Menschen den Rheinblick auf der Terrasse des Cafés Curtiz. Auf dem Dach des Cafés leuchtet in blauen Lettern ein Schriftzug: „KiT“. Ein wenig weiter nochmals: „KiT“, „KiT“, „KiT – Kunst im Tunnel, Eingang durch das ­Café“ steht auf den Glaswänden des Notausgangs, der von der Künstlerin Nika Span zum eisblauen Lichtspektakel umgestaltet wurde. Ein Ort der Kunst, so viel ist klar, ist das KiT, und wer sich auf eine Führung durch die aktuelle Ausstellung begibt, sieht, dass hier auf 888 unterirdischen Quadratmetern Architektur und bildende Kunst auf das Schönste zusammengehen.

Durch das Café Curtiz, das bei der Ausstellung Happy House oder Kleine Reparatur der Welt ebenfalls ins Kunstgeschehen mit eingebunden ist, geht es über eine breite Treppe hinab in die Tiefe. Eine Doppeltür öffnet sich, und der Besucher steht im flachen Anfangsbereich des Tunnelrest­raums. Von hier aus schwingt sich die Ausstellungsfläche elliptisch über eine Länge von 140 Metern von rund elf Metern auf nur einen Meter Breite ins fünf Meter hohe andere Ende. Zwischen den puristischen Betonwänden sind die Werke der jungen Künstlerinnen und Künstler zu sehen, die Projektleiterin Gertrud Peters zur Ausstellung eingeladen hat. Offensichtlich hat der Raum Einfluss auf die Skulpturen und Videoinstallationen genommen: Er spiegelt sich wider in den ausgewählten Materialien, in der Größe und den Inhalten der Arbeiten. Es ist die besondere, raue Architektur, welche die Künstler inspiriert. Bilder und Skulpturen wirken hier anders als im White Cube. Darauf muss man sich einlassen können. Das fällt leicht und ist aufregend – denn ein kleines Abenteuer ist es schon, zwischen 55000 Autos, die neben und unter dem KiT durch die Fahrröhren des Rheinufertunnels rasen, Kunst zu betrachten. Und größer könnte der Kontrast nicht sein als in dem Moment, in dem man wieder ans Licht steigt: Der Rhein glitzert in der Nachmittagssonne, gegenüber auf den Wiesen grasen die Schafe, und beim leichten Lunch im Café Curtiz lässt sich’s gut austauschen über das Gesehene.

2009 zeigt KiT – Kunst im Tunnel noch in zwei Ausstellungen spannende junge Kunst aus Düsseldorf, Köln, Münster, München, Brüssel und Johannesburg.

Eine Führung durch eine Kunsthis­torikerin ist zu empfehlen. Besonders schön ist es, nach dem Kunstgenuss im von Prof. Niklas Fritschi entworfenen und eingerichteten Café Curtiz zum Kaffee oder zu kleinen Speisen zusammenzukommen.

Along the Rhine – Köln/Düsseldorf
Die Gruppenausstellung Along the Rhine – Köln/Düsseldorf vereint junge künstlerische Energien der beiden Kunststädte Düsseldorf und Köln im Bereich Neue Medien. Im KiT werden Video, Fotografie, Experimentalfilm und Screenings von Absolventen und Studierenden der Kunstakademie Düsseldorf und der Kunsthochschule für Neue Medien Köln präsentiert. Gastkurator ist Minus1 – Experimetallabor der Kunsthochschule für Medien Köln/ Prof. Mischa Kuball.
bis 2. November 2009, KiT – Kunst Im Tunnel

Happy House oder Kleine ­Reparatur der Welt
Nationalität ist keine Frage des Standorts mehr; ein Wohnsitz kann überall sein, und auch in der Kunstwelt sind die Lebens- und Arbeitsverhältnisse beweglich geworden. In der Ausstellung Happy House oder Kleine Reparatur der Welt gehen junge Künstlerinnen und Künstler diesem neuen Lebensgefühl nach. Dabei zeigen sie, wie sie Begriffe wie „Heimat“ und „Zuhause“ in den Zeiten der Globalisierung interpretieren und künstlerisch mit Identitätsverschiebung und Wertewandel umgehen. Eine Themenausstellung mit Akademieabsolventen und Gästen.
21. November 2009 bis 31. Januar 2010,
KiT – Kunst Im Tunnel

Die WWS Strube GmbH koordiniert und regelt zahlreiche Aufgaben des Museumsbetriebes und befreit damit das KiT von vielen organisatorischen Problemen.

Informationen
KiT – Kunst Im Tunnel
Mannesmannufer 1b, D-40213 Düsseldorf
Tel. (+49-211) 892 07 69
[email protected]
www.kunst-im-tunnel.de

Café Curtiz
Mannesmannufer 1b, D-40213 Düsseldorf
Tel. (+49-211) 875 03 41
[email protected]
www.kunst-im-tunnel.de